Venerdì 16 ottobre 2026 dalle ore 18.00 alle ore 21.00 si inaugura da Ex Elettrofonica CASOTTO, mostra collettiva e partecipata degli artisti Stanislao Di Giugno, Stefania Galegati, Monica Lundy, Alessandro Piangiamore, Federico Pietrella, Giuseppe Pietroniro, Daniele Puppi, Marco Raparelli, Andrea Salvino a cura di Marco Raparelli.
Una galleria come un CASOTTO: uno spazio temporaneo e collettivo, dove nove artisti si incontrano per costruire una fotografia di una comunità che da oltre vent’anni condivide un percorso comune. Il titolo richiama il film Casotto di Sergio Citti del 1977: un luogo provvisorio e popolare, attraversato da una molteplicità di storie, incontri e situazioni. Nella mostra, la galleria assume la stessa funzione di dispositivo: un luogo che non impone una narrazione unica, ma mette in relazione differenti individualità e pratiche artistiche.
CASOTTO non vuole ricostruire una scena, né proporre una lettura storica dell’arte italiana contemporanea. È piuttosto un ritratto collettivo, una fotografia di gruppo nella quale esperienze e linguaggi differenti convivono nello stesso spazio e nello stesso tempo. Disegno, pittura, fotografia, video, installazione e altre forme di ricerca entrano così in relazione senza la necessità di essere ricondotte a un comune denominatore. È proprio nella distanza tra le diverse pratiche che emerge una storia condivisa: quella di artisti che hanno spesso costruito autonomamente i propri luoghi di confronto, producendo occasioni di incontro, collaborazione e progettualità al di fuori dei circuiti istituzionali consolidati.
Come afferma il curatore Marco Raparelli: «Quando si è presentata l’occasione di curare una mostra da Ex Elettrofonica non ho avuto dubbi nell’invitare questi artisti, che ritengo meritino attenzione e riconoscimento.
Casotto non ha la pretesa di offrire una ricognizione esaustiva sull’arte italiana dai primi anni Duemila a oggi, perché troppe figure fondamentali ne rimarrebbero inevitabilmente escluse. Piuttosto, intende fissare nel tempo l’autoritratto di una comunità di artisti che, pur sviluppando ricerche e linguaggi profondamente differenti, ha condiviso esperienze sul campo, progetti indipendenti e momenti di confronto.
È il ritratto di una generazione che ha spesso costruito le proprie occasioni di incontro e di lavoro al di fuori delle strutture consolidate, facendo della collaborazione e dell’amicizia una pratica capace di produrre cultura».
Il progetto non si conclude negli spazi della galleria. Dalle 22.30, CASOTTO prosegue attraverso la musica e la dimensione conviviale con una festa all’Alcazar di Roma, nel quartiere di Trastevere, Via Cardinale Merry del Val 14.
La serata è curata da WeLoveRadio e vedrà in consolle DJ Baro e Marco Raparelli (Cot Rock).
Dalla mostra alla pista da ballo, CASOTTO cambia forma e linguaggio, trasformandosi in un ulteriore momento di incontro. La musica diventa così parte integrante del progetto e ne prolunga lo spirito: uno spazio aperto e condiviso, dove le relazioni costruite nel tempo tornano a incontrarsi e a produrre nuove connessioni.
CASOTTO Inaugurazione: venerdì 16 ottobre 2026, ore 18.00–21.00 / After party: dalle 22.30 Alcazar
SEDI: Ex Elettrofonica – Vicolo di Sant’ Onofrio, 10 Roma / Alcazar Via Cardinale Merry del Val 14, Roma — Trastevere
INFORMAZIONI: +39 06 64760163, info@exelettrofoica.com, www.exelettrofonica.com
Stanislao Di Giugno (Roma, 1969) è un artista multidisciplinare italiano la cui pratica si concentra sulle possibilità espressive della pittura astratta. Attraverso strutture geometriche essenziali e una raffinata ricerca cromatica, le sue opere indagano la percezione dello spazio, della luce e dell’equilibrio formale. Lontana da ogni intento narrativo, la sua pittura costruisce un linguaggio autonomo in cui rigore compositivo e qualità sensibile della superficie dialogano costantemente, trasformando la geometria in un’esperienza percettiva aperta e dinamica.
La sua ricerca si sviluppa attraverso una costante riduzione degli elementi visivi. Ogni dipinto è concepito come uno spazio di contemplazione, nel quale l’ordine geometrico non si impone come sistema chiuso, ma si offre come possibilità di percezione e di esperienza. Ne deriva una pittura essenziale e silenziosa, capace di coniugare precisione costruttiva, profondità visiva e intensità cromatica. Il suo lavoro è stato presentato in mostre istituzionali e in gallerie private tra cui il Macro Roma, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma, Triennale Milano, Istituto Italiano di Cultura e Hammer Museum di Los Angeles. Ha preso inoltre parte a residenze internazionali come Art Omi, Ghent (New York) e alla Sammlung Lenikus di Vienna. È rappresentato dalla Galleria Tiziana Di Caro di Napoli.
Stefania Galegati (Bagnacavallo, 1973) ha studiato arti visive all’Accademia di Belle Arti di Bologna e a Brera con Alberto Garutti. Ha fatto parte di Via Fiuggi, un gruppo di giovani artisti che viveva a Milano alla fine degli anni novanta. Lavora con diversi media innestando meccanismi di spostamento semantico nelle cose e nelle persone. Ha esposto per la prima volta nel 1994 a Viafarini. Nel 2003 vince l’International Studio Program al PS1 MoMA di New York, città in cui vivrà per alcuni anni seguita da spostamenti nomadi fra Buenos Aires, Tanzania, Stati Uniti e Europa. Dal 2015 al 2018 ha cogestito il Caffè Internazionale, locale bar, centro multiculturale e opera d’arte. Attualmente insegna pittura alla Accademia di Belle Arti di Palermo.
E’ socia fondatrice e presidente dell’associazione Counterproduction, che organizza la Summer School of Contemporary Art di Palermo dal 2015. Dal 2019 ha portato nel carcere femminile C.C. Pagliarelli Lo Russo di Palermo laboratori di lunga durata collaborando con Spazio Acrobazie. Nel 2024 vince il primo premio BPER di Arte Fiera, Bologna e il finanziamento della tredicesima edizione dell’Italian Council promosso dal DGCC, che l’ha portata nel 2025 in Indonesia. Partecipa alla Biennale di Jatim (East Java), nel 2026 in Tanzania tiene un workshop a Nafasi Art Sapce. In Italia sono l’acquisite sue opere al Museo Mare Memoria Viva a Palermo. Lavora con le gallerie Pinksummer, Genova, dagli inizi e con FPAC, Palermo dal 2007.
Monica Lundy (Portland, US 1974) è un’artista italo-americana le cui opere pittoriche e installative sono note soprattutto per la ritrattistica, con un’attenzione particolare alle narrazioni femminili nel corso della storia. Il suo lavoro si distingue per l’impiego di tecniche pittoriche sia sperimentali sia tradizionali, nonché per l’approfondita ricerca che conduce per individuare i soggetti delle sue opere. Le fonti utilizzate per i suoi dipinti e le sue installazioni derivano da ricerche svolte sul campo, in archivi, musei e biblioteche di tutto il mondo, oltre che da fotografie d’epoca e da immagini fotografiche realizzate dall’artista stessa. Le sue tecniche pittoriche non convenzionali si avvalgono di un’ampia varietà di materiali, tra cui argilla di terracotta, porcellana liquida, acciaio arrugginito, caffè e pirografia. Le installazioni site-specific di Lundy sono state presentate in numerosi luoghi insoliti, tra cui l’isola di Alcatraz e Fort Point, nel Golden Gate National Park di San Francisco; il Museo Laboratorio della Mente presso Santa Maria della Pietà a Roma (ospitato all’interno dello storico ex ospedale psichiatrico); e il British Film Institute di Londra. Le opere di Lundy fanno parte delle collezioni del Lowe Art Museum (Miami, Florida), del Taubman Museum of Art (Roanoke, Virginia), del Mills College Art Museum (Oakland, California), del Museo Laboratorio della Mente (Roma, Italia) e del Montalvo Arts Center (Saratoga, California), tra le altre.
Nel corso della sua carriera, Lundy ha ricevuto numerosi riconoscimenti, tra cui residenze artistiche presso il Montalvo Arts Center, in California, e la Stoney Road Press, a Dublino. È stata insignita del Jay DeFeo Prize per la pittura, di una Irvine Fellowship e di una borsa della San Francisco Arts Commission. Ha conseguito il Bachelor of Fine Arts (BFA) presso la School of the Art Institute of Chicago nel 1996 e il Master of Fine Arts (MFA) al Mills College nel 2010. Attualmente vive e lavora tra Los Angeles e Roma.
Alessandro Piangiamore (Enna 1976) è orientato ad una funzione “riparatoria” dell’arte, una sorta di escapismo non difensivo, di evasione (o filtro) dal flusso di immagini in cui viviamo la nostra attualità. L’artista riafferma la potenza dell’immaginazione in senso lato, la sua capacità di fermare, deviare, arginare il fiume di stimoli che erode la nostra capacità di analisi. È interessante come nella sua ricerca, l’artista non attinga ad un immaginario vero e proprio quanto al mondo naturale e al quotidiano, quindi a ciò che abbiamo costantemente sotto gli occhi, per rielaborarlo in una forma che ne stravolge la percezione. Il suo lavoro è stato esposto, in mostre personali e collettive, in Italia e all’estero in molte sedi come: Villa Mondolfo Como, Litografia Bulla Roma, Siegfried Contemporary Londra, Centre d’Art Contemporain La Halle des Bouchers Vienne, Espace Arts Plastiques Madeleine-Lambert Vénissieux, Casa Italiana Zerilli-Marimò New York, Palais de Tokyo Parigi, Galleria Civica Giovanni Segantini Arco (in collaborazione con il Museo dell’Alto Garda, Riva del Garda, e il MART, Rovereto), GAMeC – Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea Bergamo, Villa Arconati Milano, PRAC – Centro per l’Arte Contemporanea Ponzano Romano, Museo Casa di Goethe Roma, Fondation Carmignac Porquerolles, Galleria Civica Trento, Collezione Giancarlo e Danna Olgiati Lugano, Punta della Dogana Venezia, Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea Roma, Colle Palatino Roma, Fondazione Merz Torino, MACRO Roma, Castello di Rivoli Torino. Attualmente è rappresentato dalle gallerie Repetto di Milano e Magazzino di Roma.
Federico Pietrella (Roma nel 1973) si concentra principalmente sul rapporto tra la costruzione dell’immagine e le modalità̀ della sua percezione. L’artista sviluppa il suo lavoro attraverso un approccio pittorico apparentemente tradizionale, rivolgendo la sua attenzione a soggetti e iconografie tipiche della storia dell’arte quali il ritratto, il paesaggio, la natura morta. Il metodo di selezione di tali immagini, tutte appartenenti a una sorta di diario visivo realizzato attraverso la fotografia, e le tecniche operative inusuali con le quali vengono rielaborate (il timbro datario, la pittura alchidica, il silicone) finiscono per modificare la percezione dell’immagine stessa, in una progressiva perdita del piano figurativo a favore di una dimensione poetica più astratta, sospesa e dilatata.
Il suo lavoro é stato esposto in numerose sedi in Italia e all’estero, tra cui: MACRO, Roma; MART, Rovereto; Villa Romana, Firenze; Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino/Garene; American Academy in Rome; Gertrude Contemporary Art Spaces, Melbourne; Stadtgalerie, Kiel; Kunstlerhaus, Graz; ZKM Museum, Karlsruhe; Assab One, Milano; Villa Manin, Passariano di Codroipo; Galleria Civica d’Arte Contemporanea di Trento; National Gallery, Praha; Galleria Nazionale di Arte Moderna, Bologna; Fondazione Adriano Olivetti, Roma; Fondazione Pastificio Cerere, Roma; Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Roma; Guang Dong Museum of Art, Guangzhou; Istituto Italiano di Cultura, Londra; Fondazione Smart, Roma; Fondazione Del Monte, Bologna; Collezione Farnesina, Roma; Ambasciata Italiana a Berlino; Serlachius Museum Gösta, Mänttä. Attualmente è rappresentato dalla galleria Ex Elettrofonica di Roma.
Giuseppe Pietroniro (Toronto, 1968). La sua ricerca artistica prende avvio dall’analisi e dalla riflessione sulla realtà e della sua messa in scena. Attraverso la fotografia, il disegno e l’installazione, esplora i meccanismi attraverso cui la realtà viene costruita e percepita. La rappresentazione del reale, così come l’utilizzo di giochi architettonici e prospettici, diventa uno strumento per alterare e dilatare la percezione dello spazio, generando forme e ambienti in cui ciò che appare concreto si trasforma in qualcosa di ambiguo e illusorio. La sua pratica mette così in discussione il rapporto tra realtà e rappresentazione, tra ciò che vediamo e ciò che crediamo di vedere. Nel 1995 è a New York, poi tornato a Roma lavora come assistente allo Studio di Joseph Kosuth. Nel 2014 è co-fondatore della piattaforma There Is No Place Like Home e nello stesso anno è co-fondatore del Workshop residenza R.A.M.O Ritratto a Mano, attualmente e docente ordinario di Scultura all’ Accademia di Belle Arti di L’Aquila. Partecipa a numerose mostre personali e collettive in illustri sedi tra le quali: LABS Contemporary Bologna, Istituto Di Cultura Italiano Belgrado, Ambasciata Italiana Belgrado, GNAMC Roma, Museo Civico d’Arte Moderna e Contemporanea Osvaldo Licini Ascoli Piceno, Sala Delle Armi (Foro Italico) Roma, Museo Michetti Francavilla a Mare, Galleria d’Arte Moderna Roma, Accademia D’Ungheria Roma, Palazzo Collicola Spoleto, Palazzo Bevilacqua Ariosti Bologna, MAXXI Roma, MACRO Roma, Museum of Contemporary Art Zagreb, MUSEO H.C. Andersen Roma, Fondazione Merz Torino; Hammer Museum LA X Art Los Angeles, Spazio Gerra Reggio Emila, The Dome City Center Beirut, American Academy In Roma, Museo Carlo Bilotti, Roma, Zacheta National Gallery Of Art Varsavia, Istituto Polacco Di Cultura Palazzo Blumensthil Roma, Castello Di Rivoli Torino, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo Torino.
Daniele Puppi (Pordenone 1970) fin dal suo esordio nel 1996 con Fatica n.1, installazione video-sonora site specific, lavora a scardinare quell’ idea di spazio, che ancora si percepisce e ruota all’interno delle coordinate euclidee. Privilegiando la video installazione ha manifestato una nuova attitudine al mezzo enfatizzando e rovesciando radicalmente l’utilizzo del suono e della riconfigurazione visivo – architettonica che sempre diventa altro da sé. Le tecnologie utilizzate (proiettori video, sincronizzatori, amplificatori, subwoofer, altoparlanti, microfoni) sono funzionali all’attivazione delle facoltà percettive, visive e uditive dello spettatore, come parte integrante dell’opera stessa. Lo spettatore/visitatore è chiamato a entrare in una nuova e straniante dimensione spazio – sensoriale. Tra le personali ha esposto all’ Accademia Nazionale di San Luca, HangarBicocca, Galleria Borghese, MAXXI, Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Milton Keynes Gallery, Melbourne International Arts Festival, e Lisson Gallery. Vive e lavora tra Roma e Los Angeles.
Marco Raparelli (Roma, 1975) è un artista visivo, disegnatore, videomaker e DJ. Vive e lavora a Roma. La sua ricerca nasce dall’immaginario grafico dei comic books e dal loro linguaggio sintetico, diretto e fortemente riconoscibile. Attraverso il bianco e nero, il disegno e una vena ironica solo apparentemente immediata, Raparelli costruisce una pratica che indaga le contraddizioni della contemporaneità, osservando comportamenti, dinamiche sociali e forme della cultura visiva quotidiana. L’ironia diventa così uno strumento di analisi e di rovesciamento, capace di mettere in discussione ciò che appare familiare e di aprire una riflessione sul rapporto tra individuo, società e sistema dell’arte. Disegno, video, animazione e pubblicazione convivono all’interno della sua pratica, dando forma a narrazioni frammentarie in cui realtà e immaginazione, esperienza personale e dimensione collettiva si sovrappongono. La dimensione editoriale costituisce una parte significativa della sua ricerca. Ha realizzato diversi libri distribuiti in Italia e all’estero e due volumi calcografici pubblicati da Edizioni Canopo, Prato. Nel 2020 NERO ha pubblicato Humans is a State of Mind. Nel 2023 ha realizzato per Rai Cultura le illustrazioni di Lezioni di Cinema di Paolo Mereghetti, disponibili sulla piattaforma RaiPlay. È docente di Illustrazione presso l’Accademia di Belle Arti di Roma. Ha esposto in musei, istituzioni e spazi espositivi in Italia e all’estero, tra cui MAXXI e MACRO di Roma, Museion di Bolzano, Museum Folkwang di Essen, Museum of Contemporary Art of the Republic of Srpska di Banja Luka, Kunstraum Kreuzberg/Bethanien di Berlino e Istituto Italiano di Cultura di Los Angeles. Attualmente è rappresentato dalle gallerie Uberto di Marino Napoli ed Ex Elettrofonica Roma.
Andrea Salvino (Roma 1969). La ricerca artistica di Salvino è strettamente connessa alla storia e trae ispirazione dall’iconografia politica, sociale e cinematografica del ‘900 Italiano ed Europeo fino hai nostri giorni. Il suo lavoro può essere inteso come una pagina di storia non ufficiale scritta per immagini, attraverso aneddoti e dettagli tratti da documenti figurativi. I soggetti che Salvino fa vivere nelle carte disegnate e nelle tele dipinte sono fotogrammi storici individuati tra fotografie, vecchie cartoline, libri, pellicole o stampe e selezionati poiché motivi, iconografici particolarmente significativi e capaci di descrivere l’epoca dalla quale derivano e la cultura di riferimento. Le vicende politiche e sociali, la guerra, l’erotismo, il costume e il cinema si susseguono nei suoi disegni come se fossero dei frammenti di una realtà passata, in grado di fornire e restituire all’osservatore un “pezzo” di identità. Infatti l’artista, senza aver la pretesa di prendere posizioni politiche o ideologiche, svela con le sue opere l’importanza e il potere delle immagini quali elementi che inducono a ricordare, a evocare un fatto storico o altro e infine, a riconoscere un mondo di appartenenze che va oltre ogni tabù. Ha partecipato a diverse mostre, in Italia e all’estero in numerose sedi istituzionali tra le quali ricordiamo: Museo MAXXI Roma, Museo Macro Roma. Palm Gallery Taipei Taiwan, Fondazione Trussardi, Milano, Palazzo Collicola Spoleto, Galleria Nazionale d´Arte Moderna e Contemporanea Roma, Bibliotheca Hertziana, Mo.Co. Museo di Arte Contemporanea Montpellier, Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea Torino, Grimmuseum Berlino, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo Torino, Istituto Italiano di Cultura, Hammer Museum and Laxart Los Angeles, Palazzo Grassi Venezia, Museum of Contemporary Art Chicago.
